OCTOBER LAB #7

La Petite Sirène

1 mai 2025

GESIR

3 mai 2025

Création

October lab #7 : Sounds, Tears and Skins

Un siècle d’itinérance artistique entre Marseille et les USA (1929-2026)

11 au 20 avril : Tournée aux USA
11 et 12 avril : Bombyx center, Northampton, Massachussetts
13 et 14 avril : Clark University, Worcester, Massachussetts
17 et 18 avril : Brandeis University, Boston, Massachussetts
20 avril : Lycée français, New York

Distribution :

Flûte l Charlotte Campana
Clarinette l Linda Amrani
Trompette l Gérard Occello
Accordéon l Julia Sinoimeri
Percussion l Christian Bini
Violon l Yann Leroux-Sèdes
Violoncelle l Jean-Florent Gabriel
Soprano l Brigitte Peyré
Comédienne l Agnès Audiffren
Direction l Raoul Lay

En 2018, l’Ensemble Télémaque invente October Lab, plateforme internationale de création musicale, dont l’objet est la production/diffusion de nouvelles œuvres qui enjambent les styles et les tendances. Pour cela, des commandes sont passées aux compositeur.rice.s du monde entier, avec des thématiques renouvelées.

Sounds, Tears and Skins est la première collaboration de l’ensemble Télémaque avec des artistes des États-Unis. L’Ensemble Télémaque porté par Raoul Lay passe cette année commande à une nouvelle génération de compositeur·ice·s américain·e·s : David Dominique, Yu-Hui Chang, John Aylward et Kate Soper qui déploieront leur musique à partir de textes français et américains écrits de manière significative ou ayant laissé une empreinte à Marseille et aux USA.

Un dialogue entre quatre figures littéraires du vingtième siècle : Claude MacKay (“Banjo”, 1929), Mary Jane Gold (“Crossroads Marseilles”, 1940), Franz Werfel et Antonin Artaud, toutes discriminées pour leur genre et/ou leur origine et/ou leurs différences (appartenance ethnique et religieuse, convictions politiques, orientation sexuelle, ”maladies“ mentales…).

À travers l’histoire, avant, pendant ou après la Seconde Guerre mondiale, le projet questionne la notion de voyage, de migration, et d’histoire des minorités via le lien Marseille-USA : comment des artistes d’aujourd’hui composent en regard de ces moments brisés de l’histoire, dont la ressemblance avec le présent interroge ?

Le concert sera composé de quatre pièces où les voix parlées et chantées dialogue- ront avec l’instrumental, faisant résonner l’intertextualité comme une expression artistique de la diversité.

Au printemps 2026, l’ensemble Télémaque se rendra aux États-Unis pour y interpréter en concert les œuvres des quatre compositeurs sélectionnés, avant de les retrouver à Marseille pour de nouveaux concerts à l’automne 2026.

Infos pratiques :

11 au 20 avril : Tournée aux USA

11 et 12 avril : Bombyx center, Northampton, Massachussetts
13 et 14 avril : Clark University, Worcester, Massachussetts
17 et 18 avril : Brandeis University, Boston, Massachussetts
20 avril : Lycée français, New York

Portraits des compositeurs

David Dominique est compositeur, interprète et théoricien de la musique, installé à Richmond (Virginie). Lauréat d’une bourse Guggenheim 2022-2023 et fellow à la Harvard Radcliffe Insti-tute (2021-2022), il compose de la musique contemporaine, du jazz, de l’électroacoustique, du rock et des œuvres scéniques. Ses albums Mask (2018) et Ritual (2013), écrits pour octuor jazz avec flûte, cordes, cuivres, guitare, batterie et électronique, ont été salués par la critique. Il a dirigé leurs œuvres en concert à New York, Los Angeles, Boston, Washington D.C., etc. Mask a été co-produit par Nolan Shaheed (ex-collaborateur de Marvin Gaye, Miles Davis...). David compose aussi pour le théâtre, dont Starcrosser’s Cut (2013) — autour de l’astronaute Lisa Nowak — acclamée à Los Angeles. Il a écrit pour Tony Arnold, Talea Ensemble, ECCE, L’Arsenale, Killsonic (collectif expérimental de LA), et joué dans des festivals comme Coachella ou Bumbershoot. En 2016, il crée Broken Record, spectacle musical coproduit à Los Angeles. Ses recherches portent sur Mingus, Dolphy, le chaos sonore et Beat Furrer, auquel il a consacré sa thèse. Il a présenté ses travaux à Harvard, Wellesley, Virginia Tech, etc. Il a reçu de nom-breuses résidences artistiques (MacDowell, Yaddo, Djerassi...) et enseigne aujourd’hui au Col-lege of William and Mary.

Kate Soper est codirectrice et interprète de Wet Ink, un groupe new-yorkais dédié à la re-cherche d’une musique aventureuse au-delà des frontières esthétiques. Elle est la professeure de musique au Smith Collège. Décrite par The New Yorker comme "l’une des personnalités les plus originales de sa génération", la compositrice/interprète/écrivaine Kate Soper a créé des spectacles de théâtre musical d’une inspiration forte et singulière pendant plus d’une décen-nie. Finaliste du prix Pulitzer et boursière du prix de Rome, elle a reçu des prix et des bourses des fondations Guggenheim et Koussevitzky et de l’American Academy of Letters, et a reçu des commandes du Miller Theatre, d’Alarm Will Sound et du New York Philharmonic. Ses œuvres comprennent les monodrames « Voices from the Killing Jar » et « IPSA DIXIT », ainsi que les opéras « Here Be Sirens », « The Romance of the Rose » et « The Hunt ». Félicitée par le New York Times pour sa "voix souple et sa présence captivante", Soper se produit fréquemment en tant que soprano spécialisée en musique contemporaine. Elle a créé des œuvres de Sky Mack-lay, George Lewis, Alex Mincek et Eric Wubbels, et a participé en tant que composi-trice/chanteuse au festival MATA de New York et à la série Portraits de compositeurs du Miller Theatre, la série MusicNOW de l’Orchestre symphonique de Chicago, et la Green Umbrella Series de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles. En tant qu’auteure de non-fiction et créatrice, elle a été publiée par McSweeney’s Quarterly, PAJ, le Massachusetts Review, Theory and Practice et le Journal of Interdisciplinary Voice Studies.

La compositrice multirécompensée Yu-Hui Chang crée un grand nombre d’œuvres qui réson-nent profondément avec les musiciens et le public, par son énergie, sa précision, ses effets inventifs et ses couleurs vibrantes. Son travail transcende les frontières culturelles et stylis-tiques, embrassant la diversité musicale et la fluidité. Yu-Hui a reçu de nombreux prix, dont le Arts and Letters Award, la bourse Charles Ives, la bourse Guggenheim Foundation et des commandes d’institutions aussi prestigieuses que la Fromm Music Foundation et la Koussevitz-ky Music Foundation. Ses compositions de chambre et orchestrales ont été interprétées dans de nombreux pays, dont les Pays-Bas, l’Italie, le Japon et les États-Unis, avec des éloges cri-tiques unanimes. Originaire de Taïwan, Yu-Hui a commencé sa formation musicale à l’âge de six ans et s’est sérieusement consacrée à la composition dès l’âge de quatorze ans. Diplômée de l’Université de Boston et de l’Université Brandeis, elle est entrée à la faculté de composition de cette dernière en 2006. En plus d’enseigner, Yu-Hui a été compositrice invitée dans divers festivals et résidences, y compris la fameuse phalange de compositeurs invités par Maurice Abravanel et le Festival de musique contemporaine NienteForte. Ses œuvres ont été présen-tées dans de grands festivals de musique contemporaine à travers le monde. Elle a également été co-directrice artistique de l’Empyrean Ensemble et du Dinosaur Annex Music Ensemble, où elle a organisé plus de soixante-dix concerts. En janvier 2024, son CD portrait "Mind Like Wa-ter" est sorti.

Compositeur et pianiste, John Aylward a grandi dans le désert de Sonora, à la frontière entre l’Arizona et le Mexique, enfant d’une mère immigrée d’Allemagne (elle-même réfugiée de la Seconde Guerre mondiale), dans des circonstances extrêmement instables. Sa musique reflète les riches expressions des histoires culturelles convergentes et les communautés profondé-ment entremêlées de cette vie antérieure, le tout dans les paysages surnaturels du désert. Après des études initiales de piano et de composition avec Nicholas Zumbro et Pamela Decker, John a étudié la composition musicale en Nouvelle-Angleterre avec Martin Boykan et David Rakowski, et a écrit une thèse sur le 5e quatuor à cordes d’Elliott Carter avec le musicologue Eric Chafe et le soutien de deux bourses d’études résidentielles de la Paul Sacher Stiftung à Bâle, en Suisse. Les prix et bourses d’Aylward ont récemment été décernés par la Fondation John S. Guggenheim, l’American Academy of Arts and Letters, le Radcliffe Institute de l’université Harvard, la Commission Koussevitzky du Congrès, la Fromm Foundation, MacDo-well, Tanglewood, l’Atlantic Center for the Arts, le Virginia Center for the Creative Arts. Il a aus-si obtenu le premier prix de la Société internationale de musique contemporaine et bien d’autres récompenses.

Avec le soutien de l'Institut français - Villa Albertine et du Centre National de la Musique